Pour en compléter la recréation sur scène, Lou Reed s’est inspiré des pièces d’un dramaturge expressionniste allemand, Frank Wedekind : L’esprit de la terre (1895) et La boîte de Pandore (créée en 1904 et qui fut aussi un film produit en 1929), œuvres extrêmement controversées à l’époque et fondues en une seule œuvre intitulée Lulu (1913) .

« Lulu, la femme-animal à l’instinct sexuel exacerbé, séduit et corrompt tous ceux qu’elle rencontre ; portant en elle et autour d’elle la vie et la mort, elle sera, après une ascension fulgurante (Berlin, Paris), assassinée par Jack l’Éventreur. Victime de sa « nature », se situant au-delà de toute morale, elle défie l’ordre établi », résume le Larousse des noms propres.

Les adaptations chansonnières de Lou Reed témoignent de sexualité violente, de pratiques moralement décadentes et autres contorsions de l’imaginaire évoquées dans les pièces de Wedekind, il y a un siècle. Crues, brutes, sanguinolentes, les adaptations de Lou Reed confèrent un mordant supplémentaire à l’œuvre centenaire, mordant littéraire exacerbé par l’accompagnement pour le moins musclé de Metallica.

Qui plus est, le chanteur et parolier y campe souvent Lulu, acte de provocation qu’on devnine volontaire. On sait que le lien entre Metallica et Lou Reed fut scellé à la suite d’un concert commun donné en 2009 au Rock and Roll Hall of Fame; deux ans plus tard, le projet Lulu a été créé aux studios HQ de Californie.

Quoi qu’on pense des prémisses de cette association (rajeunissement opportuniste de l’image du vieux Lou? opération crédibilité pour Metallica, un band qui a pris de l’âge?) , le groupe californien a su s’adapter au contexte et varier les climats propices à l’expression du texte. Séquences acoustiques et compléments d’archet à l’appui, et même quelques inhabituelles explorations harmoniques du côté de Kirk Hammett. De toute évidence, le fameux band a tenté de se sortir de sa zone de confort. Et quels sont les résultats?

La voix chevrotante et improbable de Lou Reed, à mi-chemin entre la déclamation et le chant, sera-t-elle pardonnée par son statut légendaire ? Et que dire des métalleux ? verront-ils dans ce ce presque rock d’avant-garde un caprice de snobs ? Séance de pelletage de nuages qui ne passent jamais au-dessus de leurs têtes (metalheads…) ?

Les paris sont lancés. Prédisons un florilège d’impressions et critiques très polarisées. Le meilleur mais surtout… je crains le pire.

Bel effort, en ce qui me concerne. Pas tout bon, parfois une impression d’entre deux chaises au programme, néanmoins quelques séquences vraiment inspirées. Souvent très longues, d’ailleurs : deux pièces de plus de 11 minutes, une autre de plus de 19 minutes!!!

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Marc-André Hamelin nous avait prévenus en interview: effectivement, Gabriel Fauré n’est pas un compositeur flamboyant pour le piano, sa musique s’exprime dans la subtilité et la sophistication.

Si elles existent bel et bien, les difficultés inhérentes à cette Ballade de Fauré, oeuvre concertante au programme de l’OSM pour les trois soirées impliquant le pianiste québécois en ce mois d’octobre, elles ne sont pas évidentes pour l’oreille profane… qui attendait la venue d’un supravirtuose. Non, on n’assiste pas au spectacle pianistique qu’exigent des oeuvres de Rachmaninov, Liszt ou Debussy pour ne citer que ces compositeurs.

Pour les Variations symphoniques de Cesar Franck, seconde pièce impliquant le pianiste, l’exploît technique du pianiste soliste fut plus évidente, bien assez pour soulever les mélomanes venus l’acclamer à la Maison symphonique.

Je conviens parfaitement que Marc-André Hamelin refuse en toute légitimité de se transformer en une bête de cirque dont la seule fonction est de faire la démonstration de ses capacités techniques phénoménales mais… j’avoue avoir hâte de les contempler de nouveau ! Ce paradoxe étant assumé, j’affirme sans ambages qu’il a joué ces deux oeuvres avec le velouté, l’élégance et la profondeur qu’elles exigent. En clair, l’interprète était au service des oeuvres et on ne peut l’en blâmer.

En ce qui me concerne, il ne pouvait guère faire mieux avec cette matière qu’il a lui-même choisie – à l’origine, d’ailleurs ces oeuvres devaient faire l’objet d’un enregistrement d’album avec l’OSM mais, faute de financement, ce projet s’est conclu sur scène.

Pour ce qui est du reste de la soirée de mercredi (même programme jeudi et dimanche à la Maison symphonique), j’ai eu du mal à saisir les choix de la direction artistique. Pourquoi, maesro Nagano, cette Cinquième symphonie de Schubert jouée avec une relative fadeur ? Et peut-on m’expliquer ce que vient faire cette Symphonie de Bizet à la fin ? Les interprétation de Bizet et Schubert n’étaient pas désagréables, soit, mais je n’avais vraiment pas l’impression d’y savourer l’OSM des grands soirs.

Et, pour ajouter à la cohérence du menu cinq services, pourquoi intercaler une oeuvre de Pierre Boulez pour six instruments avant l’arrivée d’Hamelin ? Très cool que l’OSM fasse du Boulez, remarquez, mais dans ce programme ?